中读

6.2 女中音 | 为什么女中音是一种让人上瘾的音色?

作者:杨光

2019-03-23·阅读时长12分钟

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旅美女中音歌唱家杨光,目前任上海音乐学院声乐教授。2001年,女中音杨光被世界著名歌剧院芝加哥抒情歌剧院签约,成为第一位进入此歌剧院歌剧中心的亚裔青年歌唱家,同时她也是该剧院历史上第一位在进入剧院艺术中心前,就已经获得“英国BBC卡迪夫国际歌唱家大赛”大奖和“多明戈国际声乐大赛”一等奖的签约艺术家。本讲中,杨光将围绕女中音的划分、角色和色彩展开讲述,同时会分享声乐训练中的诸多感悟,以及对偏爱的艺术歌曲的“意境”解读。

5.2 女中音 | 如何理解女中音的角色、个性和色彩?

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中读的朋友们,大家好,欢迎进入古典音乐大师课,我是杨光。这一讲我将带大家走进女中音的世界。首先,我想来谈谈:到底什么是女中音?女中音代表什么样的角色、个性和色彩?

旁白:本讲的主角,是旅美女中音歌唱家、上海音乐学院声乐教授——杨光。2001年,杨光被世界著名歌剧院芝加哥抒情歌剧院签约,成为第一位进入此歌剧院的亚裔青年歌唱家。杨光也是该剧院历史上第一位在进入剧院艺术中心前,就已经获得“英国BBC卡迪夫国际歌唱家大赛”大奖和“多明戈国际声乐大赛”一等奖的签约艺术家。此后,她常常活跃在世界舞台,在众多歌剧中出演了主要角色。接下来,就由主讲人杨光带你进入女中音的世界。

女中音到底是什么?

关于“女中音”是一个很有意思的话题。我觉得女中音从命名来讲,其实在中国人的声乐或者是歌唱的行当里,是不存在的,说实话,“中音”本身都不太存在。实际上,它是从交响音乐的体系中产生的,换到人声里面,于是也分为了高声部和低声部,由于人声里有男声和女声,因此也就细分为了女高音、女中音、男高音和男中音,这就是最基本的四声部划分。女中音我们叫做“mezzo-soprano”,“mezzo”是中间的意思,“soprano”是女高音的意思。在很早的时候,西方的歌剧来源于一些圣咏(一种单声部、无伴奏的罗马天主教宗教音乐)和教堂的神剧,会有角色的划分,不同的声部和音色就会代表不同的角色个性。所以真正的划分,除了高声部和低声部,还有一个很重要的元素就是音色。

音色这个元素,在我们民族的听觉审美习惯当中是相对比较单一的,我们都会比较喜欢高亢和明亮的音色,相对来说,低声部的浑厚、柔和,甚至是比较暗淡一些的色彩,就并不太能够被大家广泛认知和接受。但是如果真正严格按照西方的声乐体系,女中音的声部其实不仅仅是声音低的问题,它的音域基本上和女高音一致,但是我们每个人在自然音域、中声区、高声区这三个部分,会有一个你最漂亮的区域,能呈现出最美的音色。相对来说,女高音的音色是越往高音,她会唱得越松弛、越自由、越舒服,而到下面的中声区时,她的声音听起来就不那么有吸引力了。不过女中音就恰恰相反,不是不能唱高音,但是她最好听的音区是在高音往中声区过渡的区域,还有中声区的音区。也就(是)说,恰恰是女高音没有表现力的音区,女中音的声音反而非常的迷人、非常有色彩。

女中音代表着什么样的角色、个性和色彩?

尤其是在和声当中或者是在不同的歌剧当中,女高音会是什么角色,女中音会是什么角色,这时就能产生出非常明显的对比,甚至是互补。说一个好玩的事情,我(曾经)在芝加哥歌剧院演歌剧、学习歌剧和角色的时候,我会跟导演说:“我把所有音乐都学了,我把这些字词都弄会了,但是我就是不喜欢我唱的这个角色怎么办?” 然后导演说:“为什么?”我说,“举个例子,我不喜欢Eboli(埃波莉)”,(她)是《唐·卡洛》(法语:Don Carlos、意大利语:Don Carlo,是一部5幕1歌剧,由威尔第作曲)里面的一个女中音,我说因为她总是妒忌,“She is always getting in trouble”,所有的麻烦事都是她惹的。然后导演就笑了,说:“你不觉得所有的戏(如果)没有女中音,这戏就没了(吗)?” 我说:“噢,好像是的。” 后来他说:“女高音是一个女性,女中音同样也是这一个女性,其实这两个角色代表了一个人的不同时期,或者是不同心情,甚至是不同方面的个性。所以说她们并不是两个人。她代表的女性有特别美好和Dreaming(梦幻)的那一面,也有很纠结,同时也很Strong(坚强)那样的一面。”所以女中音声音的性格里要比女高音复杂,代表了一个相对成熟的女性个性。


▲在英国威尔士国家歌剧院

出演威尔第歌剧《唐·卡洛》

杨光饰演爱波丽

当然,随着声乐艺术的普及和认知,大家开始明确地知道有中音这种说法。以前在中国,尤其是女中音,是很稀少、稀有的,之前的罗天婵老师(新中国第一位杰出的抒情女中音歌唱家)、关牧村老师(国家一级演员、女中音歌唱家),还有德德玛老师(中国蒙古族女中音歌唱家)都是广为声乐爱好者,或者是说喜欢听歌的朋友喜爱的歌唱家。


▲中国蒙古族女中音歌唱家德德玛

除了这几位中国女中音歌唱家之外,在我学习声乐专业以后,慢慢才有了更多的了解,在世界上还有那么多伟大的女中音。比如一直和我关系比较亲密的美国的女中音Marilyn Horne(玛丽莲·霍恩),她以唱Rossini(焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼,意大利作曲家)、Handel(乔治·弗里德里希·亨德尔,英籍德国作曲家)这些花腔女中音的作品为代表。她就像一面旗帜、一个标杆,我在年轻的时候听了她特别多的作品,所以我只要在美国的时候,基本上会看看她在哪里,然后去找她上课,听一听她演唱。

▲亨德尔画像

馆藏于Handel House Museum

很有意思的是,她一直给我的忠告是,无论你唱Verdi(朱塞佩·威尔第,意大利作曲家)这些多么有Strong(力度)的角色,你永远要能够在唱这些角色间隙当中,唱一唱罗西尼的歌剧作品,看看你的花腔是不是还能够“花”得起来,还能够那样的Clear(清晰准确),有没有出现偏低,音不准的情况。如果出现这个情况,你就要Watch out小心)。因为这就表示你在歌唱Technique技术)上出了问题。因为歌唱技术是声乐演员艺术生命的一个长远保证,如果按照她的说法,你永远要去检查一下自己。

我非常相信她,因为我听过她10年前的歌唱,就算她现在86岁了,上课依然会做示范,可以唱出很漂亮的声音。真正算起来,她只不过才一年没上舞台演唱,当然她不唱歌剧已经比较早了,但是音乐会总是唱的。我永远记得当她张口唱很简单的一首歌——美国歌曲《Beautiful Dream(《美丽的梦》时那种沐浴在阳光里的感觉, 我们觉得那个歌曲就让我们沐浴在她的歌声里。当春天暖和的太阳照在你身上是一种什么感觉?我没法形容,但是我们每个人都能有过这样的一个体验,就是那样一种很神奇的感觉。当然这是我的幸运,我觉得能亲耳能够听到,并且能够跟这样伟大的歌唱家去学习,我觉得这是我的幸运。

▲美国的女中音玛丽莲·霍恩

演出罗西尼的歌剧《坦克雷迪》

Tony Romano摄

还有一些女中音,除了霍恩以外,我自己比较喜欢的,虽然还没有机会听现场。比如说英国的女中音Janet Baker(詹妮特·贝克),再早期一些意大利女中音Gulietta Simionatto(古丽塔·西米奥纳托),美国的Grace Bumbry(格蕾斯·本勃莱),还有很多女中音她们都各有自己的特点,有她们的代表作。很有意思的是,她们可能在年轻的时候,都会选择唱所谓抒情一些的角色,但到了一定的年纪,唱了20年歌剧了以后,开始可以驾驭得了那些比较Strong角色,这个时候其实和我们通常说的声音的大号、小号没有太大关系。而是每一个歌唱家自己选择是否能驾驭这首歌曲。

▲英国女中音Janet Baker

图片源于Rex Features

要说起来,Marilyn Horne(玛丽莲·霍恩)是个大号的女中音,但是她唱罗西尼的作品。很多时候我们在年轻的时候,虽然声音哞哞儿的、号儿很大,音响或者音量达到了要求,但是你声音里面所具有的戏剧张力是不够的。所以尤其是女中音,我们经常给大家的建议是,哪怕你是一个所谓的大号声音,不要过早地去唱Too heavy(太重)的东西,因为太重的东西容易使你最漂亮的音色过早地丢失。如果从色彩饱和度(指色彩纯度,是色彩的构成要素之一。纯度越高,表现越鲜明,纯度较低,表现则较黯淡)来讲,声音的色彩当中也存在着饱和度,如果没有一个漂亮的音色的话,那么声音里面的丰富度和饱和度就不够。所以当你声音的色彩饱和度不够的时候,很显然就不会有那么大的吸引力。

(纯度低)         (纯度高)

其实这是我们给无论哪个声部的年轻歌手的一些建议。还有一个很有意思的是,对于女中音,我们曾经的认知或者是老百姓普通的认知里,会觉得女中音那么粗,要撞出那种声音了,但是霍恩有一句话,她说:“不要出丑陋的声音,再低的声音都不应该是丑陋的声音。”我想这很符合古典艺术的审美框架,低声再有冲击力,你也不可以破坏它其中的美感,变得很Rough(粗糙)

旁白:《灰姑娘》是意大利作曲家罗西尼的一部歌剧力作,咏叹调《不再独坐在火炉边哭泣》是整部歌剧七首咏叹调中最著名和最具代表性的一首。同时,这也是杨光歌唱生涯中不可或缺的一首曲子,1997年她参加英国BBC卡迪夫国际歌唱家大赛决赛时,靠演唱这首作品获得了当年的卡迪夫大奖,也是中国人第一次在此项赛事上夺冠。英国广播公司曾评价她说:“她是卡迪夫歌唱比赛举办以来,所听到的最美妙的声音。”

四幕七景歌剧《阿依达》由意大利作曲家威尔第创作。剧情根据法国古埃及考古学家芳思华‧奥古斯特‧斐迪南‧马里耶特的原著改编。被誉为“世界十大歌剧之一”。1880年《阿依达》在巴黎首演时,威尔第曾亲自担任指挥演出。2018年,《阿依达》在中国国家大剧院上演,杨光在其中饰演了埃及公主安奈瑞斯。

罗西尼笔下的灰姑娘是什么样的?

西方的作曲家真的很有意思,我年轻的时候唱罗西尼(焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼,Gioacchino Rossini,意大利歌剧作曲家)的作品唱得多一些。比如说《塞维利亚理发师》里面的Rosina罗西娜,《灰姑娘》里的Clorinda(克洛琳达)。还有《意大利女郎在阿尔及尔》,这个戏我没有演过,其他两部歌剧我都演过。但是在我们的专业里,罗西尼写的是比较轻型的歌剧,和后期比如说Verdi的歌剧比起来,就非常不一样了。


▲年轻时的焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼肖像

约1810—1815年

圣塞西拉纳粹学院藏

很有意思的就是,我在1997年的卡迪夫比赛(“BBC卡迪夫世界声乐选手比赛”)的决赛唱的也就是《灰姑娘(La Cenerentola)》中的咏叹调(这里指的是《不再独坐在火炉边哭泣》)。其实在比赛之前,我同时还报了另一首威尔第的歌剧《唐·卡洛》里面的歌曲《命运的礼物》,但是负责甄选的一个指挥家就说:“这首曲子你可以唱,但是以你现在的年纪,以你现在的理解,我认为灰姑娘会更适合你。”因为《命运的礼物》里那个角色是个成熟女性,并且是一个贵族寡妇,她经历过很多事情,又是在宫廷当中的一个角色,这是很复杂的,但是灰姑娘这个角色在当时来讲,这个唱段虽然很难,但同时又能体现出技巧,人物的个性没有那么复杂。

我就听取了她的意见,我就更多地偏向去练《灰姑娘》的唱段,然后当时现场发挥唱得还不错,很幸运地得了奖。现在回过头来看,我在想可能那个角色表现恰恰符合我当时的个性和对于事物的认知,以及歌唱能力等等。我想不仅仅是技巧问题,还有你能不能够真实地表露你自己,所以当我真实表露我自己的时候,在那个状态下,恰好就是那个角色所要有的状态。虽然这个人物不复杂,但是别忘了,我们大家都知道灰姑娘这个故事,她的前半生很惨的,还有各种哀怨,但是到最后却有一个很好的结局,所以也很开心。在唱腔当中有很多华彩,在歌唱中有那么多高音,所以也是一个很美满、非常高兴的表现。

如果是特别轻巧的一个女高音来唱这个角色,这个角色有一句歌词:“我将不再独自忧伤坐在炉边流泪歌唱。”当她讲这个话的时候,你从她的音色里,你从她的语气里听着可能是没有说服力的。现在我在想,可能并不是我刻意去做了什么,而是我的音色本身中就有了这种气质。由于她经历了高高低低、很有波折的那些事情,当她坐在炉边的时候,该有多么的悲伤。这就是是罗西尼的歌剧。

威尔第笔下的女中音有多复杂?

反过来,威尔第的歌剧很有意思,他歌剧里的女中音角色是很有权势,很有Power(力量),很有个性,又属于敢作敢当的一些女性。我唱了十多年后,现在主要是唱威尔第的歌剧。比如说我去年10月份刚在国家大剧院演了威尔第的歌剧《阿依达》当中的埃及公主Amneris(安奈瑞斯),到最终她由爱生恨,当她发现得不到男高音Radames(拉达梅斯,剧中的男高音角色)的爱之后,她就去告发他,一定不能让他跟Aida(阿依达,剧中的女高音角色)有好结果。但到最后,当她发现由于她的告发,男高音拉达梅斯跑不了了,将被这些大祭司以叛国罪处死,要被活埋在有沙子的墓地里面。然后这时候她就快疯了,决定去劝他忏悔,并告诉他,只要他不爱阿依达,就可以拿权位为他担保。但男高音拒绝了,并说:“我确实在那一刻为了爱放弃了对国家的忠诚,这是我应该有的惩罚。”当他表明这个态度的时候,当然也就是拒绝了公主给他的offer。


▲ 朱塞佩·威尔第肖像

Giacomo Brogi摄

馆藏不明

这个时候,安奈瑞斯彻底崩溃了,她就又去求大祭司。到最后第四幕演唱的时候,她完全是撕心裂肺,带着遗憾和伤心。很有意思的是,到这部戏最后的时候,是拉达梅斯和阿依达在墓地里被处死,然后他们俩有一段特别美的二重唱,就像人要死了,但是灵魂升入天堂,音乐美得不得了。结果在这时候,威尔第安排的是安奈瑞斯,一直在说“Pace!Pace!”(意大利语,发音类似“趴切”)就是“Peaceful”,意思就是“安宁吧!我为你们祈祷!”所以最终的音乐虽然不多,但是那几小节竟然是结束在公主上的。是让她来结束整个歌剧的,相当于用她的祈祷,来把两个相爱的灵魂送到天堂上。所以你就会觉得她怎么一下子从那么一个狰狞的女人,到最后她也很后悔,但是无济于事,她做什么都已经没办法弥补她做过的那些错事。所以我会觉得就是说作曲家并没有把女中音就固定在一个“阴险、损、坏”这样的一个框架里头,而且是真的把她放在一个很矛盾的一种个性里面去表现。女中音音色的这种表现力,对于塑造和刻画这样的一种人物个性,其实是非常恰当的。

作为一个东方人,经常会觉得我要弄清楚我为什么要唱女中音,并不是我能唱就行了。而是找到纸上、书上的符号,无论是音符还是歌词,写在谱子上都是符号,把这些符号变成身体里一种很自然的,我经常说的生理反应上的一种表达,这样的东西才能够有说服力。否则你也唱,她也唱,大家不会留下印象。真正的表演是需要有很强的说服力,要让别人相信你表达的那一刻是有多么的由衷。所以我经常说,其实舞台表演需要真实。舞台就像一个放大镜,放大了很多东西。观众可以不了解技巧,但是观众一定会分辨出真假。很有意思的就是,戏剧是假的,但是一个演员在上面用“假装”的方式去演的话,观众是不买账的。但当一个演员真的把自己投入进去的话,所有的观众都会很感动(appreciate)、感谢他的表演。所以演员需要很真实的东西,真实来源于本身,除了对理性、逻辑上的理解以外,还要将情感、个性上的东西吃透、理解,我觉得才可以达到那样舞台表演的程度。

好的,这一节就先讲到这儿,本节中涉及的内容和图片,大家可以在文稿中查看。下一节,我来说说,人体作为一件乐器是如何工作的?以及什么是声乐演唱中所追求的Legato,也就是“行云流水”?谢谢。

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